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库艺术38期

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2013年度艺术圈十大事件

2014-03-20    编辑:[王莉娜]

核心内容: 2013年度艺术圈十大事件

1、大黄鸭“一鸣惊人”

可爱的鸭子

要说到今年最为成功的艺术形象,并不是某一张名家的画作,而是一只巨大而可爱的鸭子。它的名字也消费主义式的简单上口:“大黄鸭”。这只大黄鸭的创造者是荷兰的年轻艺术家弗洛伦泰因·霍夫曼。他一直致力于在公共空间创作巨大造型物的艺术项目。

2013年五月“游”到香港的这只大黄鸭高16.5米,长19.2米,重量超过600公斤,由200多块聚氯乙烯(PVC)制造而成。“鸭子”身后部设有一个开口,方便建筑师或工作人员对“鸭身”进行检查。此外,“鸭子”身体内部还装有具备充气功能的电风扇。为了让橡皮鸭能浮起来,底部有一个直径超过13米的浮床,而在橡皮鸭底部也连接了3个每个重3吨的石礅固定“鸭身”,不让风浪吹走。

虽然它的到来让香港这个狭小的大都市显得更加拥挤,但大黄鸭却唤起了这个城市久违的娱乐精神。甚至有媒体高呼“‘大黄鸭’比政府最近提升士气的举措更能鼓舞港人”。但这只鸭子却在展出十几天后突然撒气,变为了一摊“黄鸭蛋”。据称是大陆游客的不文明行为所致,这一传言立刻得到众多港人的相信,直至连中央电视台都认为有必要出来澄清一下。最后证实大黄鸭的“撒气”是因为例行的检查。但同时这也彰显出香港对大陆的不信任状态以及愈发明显的排外倾向。“大黄鸭”作为一件公共艺术品,不但在为人们传播快乐,同时也折射出某些“快乐”背后人们更为实际的关注与焦虑。

2013年9月6日至10月26日,北京国际设计周将“大黄鸭”请到了北京,先后在园博园与颐和园展出。在这一过程中,“大黄鸭”完成了自身从一件艺术品到“社会事件”的升级。围绕着它所产生的社会效应以及关注度,甚至让人怀疑这是一件成功的公关案例。它那梦幻般的黄色绒毛,一直保持的可爱微笑和巨大身躯,在不同的环境中显得既格格不入却又有一种后现代景观式的幽默。

“大黄鸭”的设计者霍夫曼曾说:“我要做的就是,当我把橡皮鸭带走后,让他们察觉到原本的公共空间是个什么样子”。也许,“大黄鸭”本身并不重要,只是这个审美疲劳的社会对新的景观无限的饥渴,焦虑的人们期望超现实的快感能够缓解在现实中的无力,而更多的人则就是旁观。在这一切的背后,无疑仍然是利益的共谋。”大黄鸭”可以一走了之,而我们却在欢乐之后更明白的看清了自身的现状。

2、你好,我在威尼斯!

中国美术馆馆长范迪安与第55届威尼斯双年展中国馆参展艺术家、策展人合影

在2013年第55界威尼斯双年展上,除了由王春辰担任官方策展人的的中国馆以外,还有大大小小的十几个“平行展”由中国人策划或是参与。单是由王林担任总策展人的威尼斯双年展“未曾呈现的声音”就有150多位中国艺术家参与。除此之外,还有黄笃、杨心一策展的“放大”、艺术家张玮、喻高共同策划的"心·跳"、吕澎策划的“历史之路”、梁克刚策划的“无常之常”等等,展览多则数十名艺术家、少则十数人,也有些艺术家推出了自己的个展,如方力钧与钟飙。甚至连肯尼亚国家馆也被中国艺术家所占据,策展人桑德罗·奥兰迪将展览定名为“再中国”。以上所有的展览加起来,有媒体估计本次出现在威尼斯的中国艺术家的数量超过两千位,占了所有参展艺术家的一半以上。

威尼斯双年展历来对中国艺术家有着特殊的吸引力,上世纪九十年代,方力钧、王广义等艺术家破天荒的收到了威尼斯双年展的邀请,此后他们也成为最受追捧的中国艺术家。因此,威尼斯双年展成为了中国当代艺术家成名立万的“圣地”。国内的策展人,艺术家无不将参加威尼斯双年当做了最值得炫耀与抬高身价的理想噱头。再加上欧洲经济持续低迷,特别是意大利经济长期停滞等等,多重因素导致了本次中国艺术家赴威尼斯数量的井喷。

对这一现象,有人认为双年展的“平行展”本身就是双年展牟利的工具,与主题展没有任何关系,完全是由展览策展人与出资方负责,因此没有任何学术意义。也有人认为这种“扎堆威尼斯”的现象证明了中国当代艺术仍然强烈的“媚外”心理,将国外的展览当做镀金的手段,浮躁与功利的心态可见一斑。也有人认为更多的人走出去终归是件好事,只有在与世界的交流中,我们才会学习到更多先进的策划、展览以至销售的经验,长期来看,利大于弊。

总之,像每次威尼斯双年展开幕一样,依然是众说纷纭,各说各话。值得深思的是,当这一切都已逐渐被淡忘,人们又被新的热点所吸引时,一切是否依然如故?真正的问题在哪,依然是一个问题……

3巴塞尔开辟新的亚洲战场

首届香港巴塞尔艺术展-展方负责人给观众解读秦冲作品《丢失》

2013年5月22日至26日期间,首届香港-巴塞尔艺术博览会在香港会展中心举办。五天时间内吸引了超过60000名来宾入场。在这里,除了能见到来自世界各地美术机构的总监、策展人及收藏家、艺术家,还能见到以藏家的身份出现的赵薇、黎姿、陈冠希等明星。这足以显示“巴塞尔艺术博览会”这个品牌的号召力。

本次博览会汇聚了来自世界各地的245家画廊,共展示全球3000多位现当代艺术家的作品。其中亚洲画廊超过50%。展会现场分为 画廊荟萃、亚洲视野、艺术探新及艺聚空间四个部分。参加本次博览会的大陆画廊有香格纳画廊、泸申画廊、长征空间、唐人艺术空间、麦勒画廊、AYE画廊、星 空间等等,我们在展览现场可以看到刘小东、蔡国强、张洹、张晓刚、颜磊、孙原与彭禹等著名国内艺术家的作品。

香港巴塞尔艺术博览会,是世界艺术博览会的标杆品牌巴塞尔艺术博览会,与近五年快速发展的艺术香港博览会的结合。“香港本已经是全 球化的平台,现在更展示出成为亚洲艺术中心的潜力。”巴塞尔艺术展亚洲总监Magnus Renfrew强调香港的区位优势,香港具有得天独厚的地理位置,以及简单税制的政策,而其在表达自由上的艺术氛围更胜于新加坡等其他亚洲地区。香港特别 行政区行政长官粱振英也自信满满的宣称要将香港打造为亚洲艺术中心。除了巴塞尔艺术展涉足亚洲外,国际知名画廊纷纷落地香港,高古轩将首间亚洲区画廊置入 中环,白立方则紧跟其后将香港设为首家海外分部。

对于本次博览会,国内参展的画廊大多对展示效果与销售情况基本满意,虽然开幕后不断传出内地画廊作品成交的消息,但面对比别的博览会高出几倍的场地费用, 中国的画廊很多还是抱着学习与“试水”的心态,毕竟,在素以筛选标准严苛的巴塞尔艺术博览会上露面,本身也是一个不言自明的荣誉。但是,当国内画廊希望通 过香港巴塞尔这个平台与更多的欧美老牌藏家进一步交流的时候,欧美的画廊主也在想方设法网络更多的内地巨富藏家。可以想见,以香港巴塞尔作为晴雨表的亚洲 艺术市场将面临越来越激烈的竞争。毕竟,香港巴塞尔终归是一门生意。

4、“新水墨”崛起?

徐累 回音壁

2012年,在低迷的当代艺术市场氛围之中,嘉德推出了“水墨新世界”专场,让人们眼前一亮,大家普遍预计在当代艺术市场难见起色的情况下,“新水墨”将会成为有一个热点。

果然,在2013年,“新水墨”成为了学术与市场双重追捧的对象。徐累、李津、郝量、徐华翎、姜吉安等“新水墨”代表艺术家的作品价格也出现了大幅度的上升。与“新水墨”相关的展览层出不穷。今年的“艺术北京”也有众多画廊主推水墨艺术家。在中国本土之外,甚至世界两大拍卖行苏富比与佳士得也都推出了水墨专题展览,将目光对准了在水墨传统语言上有所创新的水墨艺术家。“水墨”,成为了2013年当代艺术的关键词。

但是,随着“新水墨”的崛起,围绕着它所产生的争论也日渐增多。有专家认为“新水墨”是市场主动选择的结果,其本身的理论方向还不甚清晰,“新水墨”“新”在哪里还是一个有待理清的学术问题。也有人认为“新水墨”的崛起是时代的必然,随着中国经济实力的提升与艺术家眼界的不断拓展,中国的艺术家必然不满足于对西方当代艺术的模仿,转而谋求在自身传统的基础之上,创造出新的符合当代人审美需要的本土文化,这一时代命题必然落到新一代的水墨艺术家身上,“水墨”将迎来一个新的大发展时代。

“新水墨”的代表艺术家徐累将“新水墨”形象的比喻为“一棵正在生长的树,它的未来还无法预测”。但他同时感慨,自己已经在这个方向上持续研究了二十年,一直无人问津,最后还是通过一次拍卖引起了大家的注意,“看来市场比学术要敏感”。这句意味深长的话如果被国内忙碌的批评家与策展人听到,不知会作何感想。

5、“方主任”履新

方力钧

当方力钧变成了“方主任”,这种变化意味着什么?

2013年8月,有媒体传出方力钧即将兼任国家画院当代艺术研究中心主任一职。消息一出,立刻引起艺术界的围观。方力钧是中国当代艺术的标志性人物,其作品曾登上美国《时代》杂志封面。他从圆明园画家村到宋庄再到世界最高艺术舞台的经历,曾鼓舞了好几代有志于在中国从事当代艺术创作的艺术家与年轻人。他曾经出版过的一本书就命名为《像野狗一样生存》。因此,不难想象为什么有人将他入职国家画院称之为“被招安”。

2013年8月15日下午,国家画院当代艺术研究中心主任聘任仪式在国家画院美术馆举行,国家画院院长杨晓阳宣布聘任方力钧为国家画院当代艺术研究中心主任。杨晓阳称这一决定经过了“反复考虑,并征求了各方面的意见”。并称“此次聘任将是画院建设历史上的一个重要节点”。方力钧则不改其戏谑调侃的本性,笑称“谢谢招安”。他说:“我刚刚来的路上也看到网上很多质疑,这些质疑就是我工作的动力”。

当这一消息被证实之后,围绕这件事情的讨论立刻分成了两派。正方认为现在已不存在真正的“边缘”,不是进入这个系统就是进入那个系统。方力钧进入国家画院,代表了中国当代艺术被官方所接受,是一种“进步”。而像方力钧这样有影响力的当代艺术家进入体制,对改善当代艺术环境可能会是一件好事。反方则认为当代艺术最大的价值就是独立与批判,方力钧进入官方体制,可以说背离了自己必生的奋斗轨迹,十分可惜。而且寄希望方力钧能够改变体制的价值取向与艺术方向也是一种痴人说梦,根本不可能。陈丹青感叹自己已经到了不合作也活得了的年龄,“但所有艺术家最后都希望被承认,只不过每个人的心态和追求方式不一样”。

方力钧在聘任仪式现场的发言非常简短,他在其中说到:“我理解的‘独立’的含义是,做你自己想要做的事情,而不是别人想要做的事情”。

6曾梵志《最后的晚餐》叫好又叫座

曾梵志 最后的晚餐

2013年10月5日,在香港苏富比亚洲四十周年晚间拍卖中,曾梵志的作品《最后的晚餐》以1.8044亿港元刷新了他个人拍卖的最高纪录,同时他也超越村上隆,将亚洲当代艺术的拍卖纪录推向新高。

《最后的晚餐》创作于2001年,是曾梵志“面具系列”的代表性画作,也是同一系列中尺幅最大的作品。该作品在创作翌年就由尤伦斯男爵收藏。该作品从图式上借鉴了达芬奇的同名画作,但在具体的绘画语言上则体现了曾梵志“面具时期”的典型画风,有评论称其捕捉到了上世纪九十年代中国改革开放时期社会变化对人所造成的巨大影响,是中国当代艺术中极具分量的一件力作。

事实上,今年中国当代艺术拍卖市场成绩并不理想,曾梵志的《最后的晚餐》取得如此成绩,实则为中国当代艺术拍卖市场注入了一剂强心针。据统计,曾梵志的作品价格在十年间已经上涨了650倍。让人不得不惊叹于曾梵志作品在市场上的吸金能力。

在天价排拍出之后,虽然传出了“炒作”的质疑声,但市场与专家大多对曾梵志作品的学术与商业价值做出肯定。特别是曾梵志作为市场上已经成功的艺术家,仍然在艺术上不断突破自我,创作出新的绘画语言与图式,这一点殊为难能可贵。也有专家预测曾梵志的“乱笔系列”“肖像系列”也将会有一个很大的升值空间。

2013年10月17日晚,曾梵志大型个人回顾展在巴黎现代艺术美术馆(Musée de l’Art Moderne de la Ville de Paris)开幕。这也是这位中国最叫好叫座的艺术家在法国美术馆举办的首次完整全面的大型回顾展。此次展览以倒叙的方式,从2012年追溯至二十世纪九十年代,集合了艺术家近40件绘画和雕塑作品,包括风景系列、面具系列、医院系列等艺术家创作生涯中数个主要的主题和风格。其中就包括了刚刚在香港拍出天价的《最后的晚餐》。

7、”出的概念

沈其斌

2013年7月25日晚8点30分,知名策展人沈其斌突然发出微博:“本人策划的《当代艺术:中国进行时!》专场拍卖,在运输途中遭遇大火,大部分作品烧毁,特此通告”。事件被迅速转发评论,第二天被登上各大艺术门户网站头版,成为艺术界热点头条。有的网友大呼惋惜,而有的网友则怀疑事情的背后可能另有玄机。

沈其斌作为圈内知名策展人一直非常活跃,其最新动作是推出了“8G”概念,并扬言要取代“F4”。“8G”概念具体为:全球化的(Globalism)、游戏的(Game)、巨型的(Giant)、时代的(Generation)、增长的发展的(Growth)、目的的(Goal)、赌博的(Gamble)、光荣的(Glory),代表的艺术家案例是汪建伟、邱志杰、徐震、原弓、金锋五位艺术家。除原弓外,其余四位艺术家都有作品在这次火灾中遭到不同程度破坏。

北京元亨利贞拍卖公司于2013年7月28日举办了记者招待会,对该事件的全部经过和各方质疑给予了回复:7月25日晚上8点半,在顺义区京密路火神营东200米处,由昊诚艺术物流公司的大型货车,准备运往拍卖会预展地北京亮马河饭店。就在货车司机停车吃晚饭的时候,汽车发生燃烧,后虽经全力抢救,100多幅作品中73幅被大火烧毁或烧坏。按拍卖预估价计算被烧毁或烧坏的作品总价值达1818.9万元, 预计拍卖成交价将达3000多万元,目前警方已经介入调查。

但这并未平息网友们对本次事件的揣测与怀疑,有人列举了本次事件的种种疑点;有人认为这是一种作秀,意图包装“8G”概念;有人则怀疑为何天价作品被烧毁的艺术家无人提出投诉;还有人通过火灾现场图片,号称发现了人为故意纵火的证据……但不管火灾的具体真相如何,沈其斌与他的“8G”概念一同走入了人们的视野成为了不争的事实。火灾之后,原定的元亨利贞2013春季拍卖会“当代艺术:中国进行时!”如期举行。在拍卖现场,并没有因为火灾蒙上阴影,反而更为火热,藏家频频竞拍,从而导致众多拍品的成交价远超预估价格。这更让众多的圈内人士怀疑这是一次有预谋的商业炒作。

作为本次活动的总策划人,沈其斌宣称“本次大火在中国当代艺术界将成为一个标志性事件,同时也是一个转折点”。无论这样的答案与结果是否能够令人信服,但这一事件本身却反映出中国当前社会与当代艺术界的“诚信危机”。在这个被种种作秀与炒作所包围的社会,当一个悲剧发生时,人们已无暇去安抚受害者,无暇去痛惜被烧毁的艺术作品,但却“不惮以最坏的恶意去揣测中国人”。这可能比此次事情诡异起伏的情节本身更应该引起人们的反思。

8、大师远去

赵无极

当代时间2013年4月9日,一代绘画大师华裔法籍艺术家赵无极先生在瑞士家中去世,享年93岁。

赵无极是宋代皇族后裔,青年时在杭州艺专受教于林风眠、吴大羽等中国留法艺术先驱,与吴冠中、朱德群有同门之谊。赵无极于1948年赴法,并迅速的投入到了当时巴黎活跃的艺术活动中,与毕加索、马蒂斯、苏拉热等大师结识。那个时代正是现代主义的鼎盛时期,赵无极将自身的东方神秘传统与西方的抽象绘画融合为一体,形成了自身带有抒情性的与自然有关的抽象绘画,被称为“西方现代抒情抽象派”的代表人物。赵无极称自己“在法国重新发现了中国”,他也是在西方最具影响力的中国艺术家。

1985年,赵无极回到浙江美院(现中国美院)举办“赵无极讲习班”,当时一批幸运的年轻艺术家第一次领略到一种不同于苏派的新鲜艺术思想。这其中就包括了许江、尚扬、孙建平、刘大鸿等日后的艺术名家。1999年在中国美术馆举办的“赵无极六十年回顾展”上,中国观众第一次较为完整的欣赏到了这位早已声名远播的华裔艺术家优美无比的作品。时任法国总统的希拉克专门为展览撰写序言,称“赵即属中华,又属法兰西,他的艺术,吸取了两国文化的精粹”。希拉克还特意求购赵无极的作品,赠送给时任中国总理朱镕基。

进入二十一世纪之后,赵无极作品的拍卖价格一路走高,不断创下华人艺术家拍卖金额的记录。单是2011年,赵无极作品拍卖总额就超过了9000万美元,超过了曾梵志与张晓刚。2011年10月,赵无极作品《10.1.68》以6898万港元成交,再次刷新了他个人的拍卖纪录,这也足以显示赵无极在艺术界所受到的认可与追捧。

赵无极生前最后几年不幸罹患阿尔茨海默病症,离开了居住六十年的巴黎,赴瑞士居住疗养。之后又传出赵的独子赵嘉陵不满继母弗朗索瓦对赵无极的“控制”,并担心她将赵无极的画作据为己有,因此向法院提起上诉。今年3月,赵嘉陵赢得与继母的官司,赵无极最后的作品将由赵嘉陵及司法监护人监控清点。画作总值超过250万美元。

大师远去,身后的纷纭琐事也终将烟消云散,但赵无极充满灵性的画作与传奇性的一生,已经成为中西美术史上交流与融合的范例。即使抽象绘画已不再是当代艺术的主流,但赵无极绘画中所体现出的对自然、对中国传统以及对西方油画技巧的深刻理解,将不断给人们带来新的启迪。

9、当“人人都是艺术家”碰上“十五分钟的明星”

安迪·沃霍尔 玛丽莲·梦露 丝网印刷

2013年9月,博伊斯与沃霍尔这两位对中国当代艺术具有重要影响的大师在中国“碰面”。“博伊斯在中国”与“安迪·沃霍尔:十五分钟的永恒”两个展览同时在中央美术院美术馆展出,两位大师隔空对话,为这次展览盛况增添了不一样的意义。

博伊斯是德国二战后最伟大的艺术家,也可以说是二十世纪最伟大的艺术家。他传奇般的经历以及巫师般神秘的艺术创作,特别是“每个人都是艺术家”的艺术宣言,让他为中国人所熟知,并成为众多艺术家的精神领袖。本次“博伊斯在中国”大型展览的作品是来自于德国藏家的收藏,并首次由中国策展人、学者组织、策划。是基于中国的视角,从中国当下的关注出发,重新观看与发现博伊斯。这也是中国当代艺术力图从学术研究,艺术批评等领域融入世界语境的一次重要尝试。

沃霍尔则代表了美国消费时代来临的艺术特征,作为波普艺术的开创者,他将商业与艺术融合到一起,通过印刷、影像、图片等复制技术的运用,让大众深刻认识到了何谓“每个人都能成为十五分钟的明星”。沃霍尔本人就兼艺术家、商人、导演、出版商、时尚明星等多重身份为一身。本次在中央美院美术馆的展出也是沃霍尔在中国最为全面的展览,“金宝汤罐”与《玛丽莲·梦露》等经典作品也全部露面。除此之外,展览还放映了沃霍尔的经典影像作品。

为了使得本次两位大师的会面更具特色,沃霍尔美术馆还特意带来了沃霍尔当年为博伊斯所拍摄的影像。当“人人都是艺术家”碰上“每个人都能成为十五分钟的明星”,两位二十世纪最具艺术原创力的大师思想与艺术碰撞出的火花,是否会在某个观展的中国青年人心中升腾起熊熊火焰?

10、望京版“阿甘正传”

厉槟源

从2013年3月开始,陆续有网友声称目睹有人在望京午夜时分裸奔,这个人是谁?为何半夜出来跑步,而且是裸奔?……因为无人知道此人的身份,因此“裸奔哥”的名字在网上一时声名鹊起。到5月份,“裸奔哥”的身份终于水落石出,他就是中央美院雕塑系2006级学生厉槟源。

厉槟源声称他之所以裸奔,一开始纯粹是因为感情与生活中的挫折与迷惘所导致,他的个性又不善于言谈,所以就通过“裸奔”的方式来发泄。后来发现有人在网上关注他,甚至看到有人给他拍照,他才开始有意识地“裸奔”。每次跑都会拿一些十字架、充气娃娃等不同的道具,是想留给观者一点不同的“解读空间”。

厉槟源强调他的裸奔完全是一种身体的自发行为,本身并没有想做成艺术。在因为“裸奔”出名之后,网上针对他的行为也有很多的争议,有人认为厉槟源做了很多“屌丝”想做而不敢做的事情,感叹现在生活压力这么大,人的幸福感与安全感都很低,年轻人有时需要一些打破常规的发泄手段。也有人认为厉槟源明显是在炒作自己。甚至有电商找到厉槟源要跟他合作,推出“裸奔价”……

对于所有的这些网上的议论,厉槟源很看得开,他说:“不在意他们怎样消费我”。厉槟源本身就是一个“微博控”,他不光是像常规的艺术家那样被动的等待关注,也主动地与别人在网上互动,交流。从这里可以明显看出中国年青一代与上几代艺术家之间在观念上的巨大区别,“厉槟源们”在互联网与话题的炒作面前明显更加游刃有余,也更加清楚媒体与资本在现代社会中的力量。

2013年8月23日,厉槟源的个展“我有病”在杨画廊开幕。作为一个年轻的艺术家,“裸奔”确实让他“跑”到了很多同龄人的前面,虽然这不完全是因为艺术。从他身上,我们看到了年轻一代身上的困惑与挫折感,又感觉到渴望挣脱的身体本能。媒体时代需要像他这样的“话题人物”,但“话题”是否直接可以转化为艺术,抑或仅仅因为厉槟源的“艺术家”身份?从厉槟源的话语中,我们可以看到他通过对“艺术”概念的挑战,恰恰背后是在艺术上更大的野心。他走在“艺术”与“被消费“之间的独木桥上,走好了,可能会是一种全新的“互联网时代艺术行为”,反之,等待他的就是“围观”与“消费”之后的透支与遗忘。

 

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